Eine Kunstbewegung ist ein Stil in der Kunst. Es ist eine Zeit, in der populäre Kunst ähnliche Stile teilt.
In dieser Lektion lernen wir 16 wichtige Kunststile kennen, die die Kunstwelt im Laufe der Jahre beeinflusst haben.
Einige Zeiträume haben sich überschnitten, als sich die Kunstwelt an neue Stile gewöhnt hat. Es kann eine gemeinsame Philosophie haben, der eine Gruppe von Künstlern folgt. Es kann ein Etikett sein, das von einem Kritiker gegeben wird, um eine Art von Kunstwerk zu beschreiben. Einige Kunstbewegungen lassen sich an eine Zeit und einen Ort oder an bestimmte Künstler binden. Eine verbale Erklärung von Bewegungen kann von den Künstlern selbst stammen, manchmal in Form einer veröffentlichten Erklärung, oder die Bewegung wird nachträglich von einem Kunsthistoriker oder Kritiker bezeichnet.
Hier sind einige wichtige Kunstbewegungen:
1. Klassizismus – Bezieht sich auf die Nachahmung der Kunst der klassischen Antike (ca. 1000 v. Chr. – 450 n. Chr.), insbesondere die Nachahmung der griechischen Kunst, der römischen Kunst, der ägäischen Kunst und der etruskischen Kunst. Zum Beispiel alle Gemälde, Architekturen oder Skulpturen, die im Mittelalter oder später hergestellt wurden und von der Kunst des antiken Griechenlands oder des antiken Roms inspiriert waren.
2. Neoklassizismus – Bezieht sich auf Bewegungen in der Kunst, die sich von der „klassischen“ Kunst und Kultur des antiken Griechenlands und Roms inspirieren lassen. Beispiele für Neoklassizismus in der Architektur sind die Neue Wache in Berlin (Deutschland) und das Weiße Haus in Washington DC (USA).
Traditionell handelt es sich beim Klassizismus um die Kunst der Antike (oder Antike) oder um spätere Kunst, die von der Antike inspiriert ist. Aber beim Neoklassizismus geht es immer um die Kunst, die später gemacht, aber von der Antike inspiriert wurde. Daher werden Klassizismus und Neoklassizismus oft zusammen verwendet. Es bedeutet oft Klarheit, Harmonie und Eleganz, die durch sorgfältige Beachtung traditioneller Formen entstehen.
David, Jacques-Louis: Porträt von Madame Récamier
Porträt von Madame Récamier , Öl auf Leinwand von Jacques-Louis David, 1800; im Louvre, Paris.
Giraudon/Art Resource, New York
3. Impressionismus – Es ist ein Malstil, der im späten 19. Jahrhundert in Frankreich begann. Impressionistische Maler sind vor allem für ihre Arbeiten in Ölfarbe auf Leinwand bekannt. Die impressionistische Malerei zeigt lebensechte Motive, die in einem breiten, schnellen Stil mit leuchtenden Farben und gut sichtbaren Pinselstrichen gemalt sind. Der Begriff „Impressionismus“ stammt von einem Gemälde von Claude Monet, das er in einer Ausstellung mit dem Namen Impression, soleil levant (Impression, Sonnenaufgang) zeigte. Ein Kunstkritiker namens Louis Leroy sah die Ausstellung und schrieb eine Rezension, in der er sagte, dass alle Gemälde nur „Impressionen“ seien. Das Wort blieb.
4. Post-Impressionismus - Es ist ein Begriff, der verwendet wird, um die Entwicklung der französischen Kunst nach Manet (Maler, 1832-1883) zu beschreiben. Roger Fry war der erste, der den Begriff 1910 verwendete, als er eine Ausstellung Manet and the Post-Impressionists organisierte. Die Postimpressionisten waren Künstler des späten 19. Jahrhunderts, die die Arbeit der französischen impressionistischen Maler sahen und von ihnen beeinflusst wurden. Ihre Kunststile entwickelten sich aus dem Stil namens Impressionismus. Diese Künstler entwickelten den Impressionismus, lehnten jedoch seine Grenzen ab. Sie verwendeten weiterhin die realen Motive mit lebendigen Farben und dicker Farbe. Sie lebten in Frankreich und kannten sich, arbeiteten aber nicht als Gruppe wie die Impressionisten. Sie malten auf unterschiedliche Weise. Die Postimpressionisten ebneten den Weg für andere Künstler, um im 20. Jahrhundert mit all den verschiedenen Stilen der modernen Kunst zu experimentieren und diese zu entwickeln.
5. Art Nouveau – Es ist eine internationale Kunstbewegung und ein Stil, der auf organischen Formen basiert. Es wurde um die Wende des 19. Jahrhunderts populär und dauerte bis zum Ersten Weltkrieg. Es blühte in ganz Europa und den Vereinigten Staaten auf. Es hat von Blumen und Pflanzen inspirierte Motive und stilisierte, fließende krummlinige Formen. Art Noveau ist ein Designansatz, der Kunst zu einem Teil des Alltags macht. Der Begriff Jugendstil wurde in Belgien von der Zeitschrift L'Art Moderne geprägt, um die Arbeit der Künstlergruppe Les Vingt zu beschreiben, und in Paris von S. Bing, der seine Galerie L'Art Nouveau nannte.
Aubrey Beardsley, „Der Lohn der Tänzerin (Salome)“, 1894.
6. Moderne Kunst – Nicht zu verwechseln mit zeitgenössischer Kunst. Das Label moderne Kunst bezieht sich auf die Kunst des späten 19. und frühen bis mittleren 20. Jahrhunderts. Die in dieser Zeit entstandenen Werke zeigen das Interesse der Künstler, traditionelle ästhetische Werte vorangegangener Stile neu zu erfinden, neu zu interpretieren und sogar abzulehnen.
7. Abstrakte Kunst – Es ist eine moderne Kunst, die keine realen Dinge darstellt. Es hat Farbe, Linien und Formen (Form), um Bilder zu machen, die Gefühle ausdrücken. Es begann in den 1900er Jahren bemerkt zu werden, besonders in New York. Die Kunst ist normalerweise groß. Es hat überall Linien und Figuren, sodass sich das Auge nicht auf einen bestimmten Punkt im Stück konzentriert, wie in der traditionellen Kunst.
8. Kubismus - Der Kubismus war ein revolutionärer neuer Ansatz zur Darstellung der Realität, der um 1907-08 von den Künstlern Pablo Picasso und Georges Braque erfunden wurde. Sie brachten unterschiedliche Ansichten von Motiven (meist Gegenstände oder Figuren) in einem Bild zusammen, was zu Gemälden führte, die fragmentiert und abstrahiert wirkten. Der Kubismus war einer der einflussreichsten Stilrichtungen des 20. Jahrhunderts. Es ist allgemein anerkannt, dass sie um 1907 mit Picassos berühmtem Gemälde Demoiselles d'Avignon begonnen hat. Durch die Aufteilung von Objekten und Figuren in verschiedene Bereiche oder Ebenen wollten die Künstler unterschiedliche Blickwinkel gleichzeitig und innerhalb desselben Raums zeigen und so ihre 3D-Form suggerieren.
9. Fauvismus - Es ist der Name, der auf die Arbeit angewendet wird, die von einer Gruppe von Künstlern (darunter Henri Matisse und Andre Derain) von etwa 1905 bis 1910 geschaffen wurde, die sich durch helle Kirschlandschaften, reine, lebendige Farben, Figurenmalerei und Kühnheit auszeichnet markante Pinselführung. Als er 1905 in einer Ausstellung in Paris gezeigt wurde, war der Kontrast zur traditionellen Kunst so auffällig, dass der Kritiker Louis Vauxcelles die Künstler als "Les Fauves" oder "wilde Bestien" bezeichnete, und damit war der Name geboren.
10. Futurismus - Es war eine italienische Kunstbewegung im frühen 20. Jahrhundert, die darauf abzielte, die Dynamik und Energie der modernen Kunstwelt einzufangen. Die Futuristen waren mit den neuesten Entwicklungen in Wissenschaft und Philosophie bestens vertraut und besonders fasziniert von Luftfahrt und Kinematographie. Futuristische Künstler prangerten die Vergangenheit an, da sie das Gewicht vergangener Kulturen als äußerst bedrückend empfanden, insbesondere in Italien. Die Futuristen schlugen stattdessen eine Kunst vor, die die Moderne und ihre Industrie und Technologie feierte.
11. Expressionismus - Es begann in Deutschland in den frühen 1900er Jahren. Dies versuchte, eher Emotionen und Bedeutung als die Realität zu vermitteln. Jeder Künstler hatte seine eigene einzigartige Art, seine Gefühle in seiner Kunst auszudrücken. Der Künstler stellt nicht die objektive Realität dar, sondern die subjektiven Emotionen und Reaktionen, die Objekte und Ereignisse in einer Person hervorrufen. Der Künstler erreichte dieses Ziel durch Verzerrung, Übertreibung, Primitivismus und Fantasie. Gleichzeitig sind Farben oft lebendig und schockierend.
12. Konstruktivismus – Er entstand in Russland ab 1913 von Vladimar Tatlin, der die Idee der Kunst um der Kunst willen zugunsten der Kunst für soziale Zwecke ablehnte. Es hat Grafik- und Industriedesigner stark beeinflusst. Dabei wurde die Rolle des Künstlers neu interpretiert als Ingenieur mit Werkzeugen statt als Maler mit Pinsel. Das Kunstwerk wurde Teil eines größeren visuellen Programms, das die Massen erwecken und sie zum Bewusstsein für Klassenunterschiede, soziale Ungleichheiten und Revolution führen sollte. Die Konstruktivisten glaubten, dass Kunst im hermetischen Raum des Künstlerateliers nichts zu suchen habe. Vielmehr dachten sie, dass Kunst die industrielle Welt widerspiegeln und als Werkzeug in der kommunistischen Revolution eingesetzt werden sollte. Es war in der Sowjetunion und in Deutschland beliebt.
13. Dadaismus – Es ist eine künstlerische Bewegung in der modernen Kunst, die um den Zweiten Weltkrieg herum begann. Es begann in Zürich als negative Reaktion auf die Schrecken und Folgen des Krieges. Sein Zweck war es, die angebliche Bedeutungslosigkeit der modernen Welt lächerlich zu machen. Es erreichte von 1916 bis 1922 seinen Höhepunkt und beeinflusste den Surrealismus, die Pop-Art und den Punkrock. Es begünstigte das Vorgehen gegen normale soziale Handlungen. Zu den Anhängern des Dadaismus gehörten Antonin Artaud, Max Ernst und Salvador Dali. Dadaismus war nicht nur gegen Krieg, sondern auch gegen Bürgertum und hatte politische Affinitäten zur radikalen Linken.
14. Surrealismus - Er wurde 1924 vom Dichter Andre Breton in Paris gegründet. Der Surrealismus war eine künstlerische und literarische Bewegung. Es schlug vor, dass die Aufklärung – die einflussreiche intellektuelle Bewegung des 17. und 18. Jahrhunderts, die sich für Vernunft und Individualismus einsetzte – die überlegenen Eigenschaften des irrationalen, unbewussten Geistes unterdrückt hatte. Ihr Ziel war es, Denken, Sprache und menschliche Erfahrung von den bedrückenden Grenzen des Rationalismus zu befreien. Viele surrealistische Künstler verwendeten automatisches Zeichnen oder Schreiben, um Ideen und Bilder aus ihrem Unterbewusstsein freizusetzen, und andere versuchten, Traumwelten oder verborgene psychologische Spannungen darzustellen.
15. Zeitgenössische Kunst - Es ist die Kunst von heute, die in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts oder im 21. Jahrhundert von Künstlern geschaffen wurde, die in unserer Zeit leben. Es bietet Möglichkeiten, über die Gesellschaft und die Themen nachzudenken, die für uns und die Welt wichtig sind. Zeitgenössische Künstler arbeiten in einer global beeinflussten, kulturell vielfältigen und technologisch fortgeschrittenen Welt. Ihre Kunst ist eine dynamische Kombination aus Materialien, Methoden, Konzepten und Themen, die Grenzen herausfordert. Sie ist gekennzeichnet durch das Fehlen eines einheitlichen Organisationsprinzips, einer Ideologie; und ist ein kultureller Dialog, der größere kontextuelle Rahmenbedingungen wie persönliche und kulturelle Identität, Familie, Gemeinschaft und Nationalität betrifft.
Moderne Kunst versus zeitgenössische Kunst
16. Pop-Art - Es ist eine moderne Kunstbewegung, die sich in den 1950er und 60er Jahren entwickelte. Es wurde 1952 vom schottischen Bildhauer und Künstler Eduardo Paolozzi in London geschaffen. Andy Warhol, Robert Indiana und Roy Lichtenstein sind Beispiele für Pop-Künstler. Es verwendet kommerzielle Artikel und kulturelle Ikonen wie Produktetiketten, Werbung, Erfrischungsgetränke, Comics und Filmstars. Es soll Spaß machen. Es gibt eine Reihe von Möglichkeiten, wie Künstler diese Gegenstände verwenden, um Kunstwerke zu schaffen, wie z. B. das wiederholte Wiederholen des Gegenstands, das Ändern der Farbe oder Textur des Gegenstands und das Zusammenfügen verschiedener Gegenstände, um ein Bild zu erstellen.
