Un mouvement artistique est un style dans l'art. C'est une période où l'art populaire partage des styles similaires.
Dans cette leçon, nous découvrirons 16 styles artistiques majeurs qui ont eu un impact sur le monde de l'art au fil des ans.
Certaines périodes se sont chevauchées à mesure que le monde de l'art s'habituait à de nouveaux styles. Il peut avoir une philosophie commune, suivie par un groupe d'artistes. Il peut s'agir d'une étiquette donnée par un critique pour décrire un type d'œuvre d'art. Certains mouvements artistiques peuvent être liés à une époque et à un lieu, ou à des artistes particuliers. Une explication verbale des mouvements peut provenir des artistes eux-mêmes, parfois sous la forme d'une déclaration publiée, ou le mouvement est étiqueté par la suite par un historien ou un critique d'art.
Voici quelques grands mouvements artistiques :
1. Classicisme - Il se réfère à l'imitation de l'art de l'antiquité classique (c.1000BCE - 450CE), notamment l'imitation de l'art grec, de l'art romain, de l'art égéen et de l'art étrusque. Par exemple, toute peinture, architecture ou sculpture produite au Moyen Âge ou plus tard, qui s'inspire de l'art de la Grèce antique ou de la Rome antique.
2. Néoclassicisme - Il fait référence aux mouvements artistiques qui s'inspirent de l'art et de la culture "classiques" de la Grèce et de la Rome antiques. Des exemples de néoclassicisme en architecture sont Neue Wache à Berlin (Allemagne) et la Maison Blanche à Washington DC (États-Unis).
Traditionnellement, le classicisme concerne l'art réalisé dans les temps anciens (ou l'antiquité) ou l'art postérieur inspiré de celui de l'antiquité. Mais le néoclassicisme concerne toujours l'art fait plus tard mais inspiré de l'antiquité. Ainsi, le classicisme et le néoclassicisme sont souvent utilisés ensemble. Cela signifie souvent clarté, harmonie et élégance, grâce à une attention particulière aux formes traditionnelles.
David, Jacques-Louis : Portrait de Madame Récamier
Portrait de Madame Récamier , huile sur toile de Jacques-Louis David, 1800 ; au Louvre, Paris.
Giraudon/Art Resource, New York
3. Impressionnisme - C'est un style de peinture qui a commencé en France à la fin du 19e siècle. Les peintres impressionnistes sont surtout connus pour leur travail à la peinture à l'huile sur toile. La peinture impressionniste montre des sujets réalistes peints dans un style large et rapide avec des couleurs vives et des coups de pinceau faciles à voir. Le terme «impressionnisme» vient d'un tableau de Claude Monet qu'il a montré dans une exposition intitulée Impression, soleil levant. Un critique d'art appelé Louis Leroy a vu l'exposition et a écrit une critique dans laquelle il a dit que toutes les peintures n'étaient que des "impressions". Le mot est resté.
4. Postimpressionnisme - C'est un terme utilisé pour décrire le développement de l'art français après Manet (peintre, 1832-1883). Roger Fry fut le premier à utiliser le terme en 1910 lorsqu'il organisa une exposition Manet et les postimpressionnistes. Les post-impressionnistes étaient des artistes de la fin du XIXe siècle qui ont vu le travail des peintres impressionnistes français et ont été influencés par eux. Leurs styles artistiques sont nés du style appelé impressionnisme. Ces artistes ont développé l'impressionnisme mais ont rejeté ses limites. Ils ont continué à utiliser le sujet réel, avec des couleurs vives et une peinture épaisse. Ils vivaient en France et se connaissaient, mais ne travaillaient pas en groupe comme les impressionnistes. Ils ont peint de façons différentes les unes des autres. Les post-impressionnistes ont ouvert la voie à d'autres artistes pour expérimenter et développer tous les différents styles de l'art moderne au XXe siècle.
5. Art nouveau - C'est un mouvement artistique international et un style basé sur des formes organiques. Il est devenu populaire au tournant du 19e siècle et s'est poursuivi jusqu'à la Première Guerre mondiale. Il s'est épanoui dans toute l'Europe et aux États-Unis. Il présente des motifs d'inspiration florale et végétale et des formes curvilignes stylisées et fluides. L'Art Nouveau est une approche du design qui intègre l'art dans la vie de tous les jours. Le terme Art Nouveau a été inventé, en Belgique par le périodique L'Art Moderne pour décrire le travail du groupe d'artistes Les Vingt et à Paris par S. Bing, qui a nommé sa galerie L'Art Nouveau.
Aubrey Beardsley, "La récompense du danseur (Salomé)", 1894.
6. Art moderne - Il ne faut pas le confondre avec l'art contemporain. L'étiquette d'art moderne fait référence à l'art de la fin du XIXe et du début au milieu du XXe siècle. Les œuvres produites à cette époque montrent l'intérêt des artistes à réinventer, réinterpréter et même rejeter les valeurs esthétiques traditionnelles des styles précédents.
7. Art abstrait - C'est un art moderne qui ne représente pas des choses réelles. Il a des couleurs, des lignes et des formes (forme) pour créer des images qui expriment des sentiments. Il a commencé à se faire remarquer dans les années 1900, notamment à New York. L'art est généralement de grande taille. Il y a des lignes et des figures partout, de sorte que l'œil ne se concentre pas sur un point particulier de la pièce, comme dans l'art traditionnel.
8. Cubisme - Le cubisme était une nouvelle approche révolutionnaire de la représentation de la réalité inventée vers 1907-08 par les artistes Pablo Picasso et Georges Braque. Ils ont réuni différentes vues de sujets (généralement des objets ou des figures) dans la même image, ce qui a donné des peintures qui semblent fragmentées et abstraites. Le cubisme était l'un des styles les plus influents du XXe siècle. Il est généralement admis qu'il a commencé vers 1907 avec le célèbre tableau de Picasso Demoiselles d'Avignon. En décomposant objets et figures en zones ou plans distincts, les artistes ont cherché à montrer différents points de vue en même temps et dans un même espace et ainsi suggérer leur forme 3D.
9. Fauvisme - C'est le nom appliqué à l'œuvre produite par un groupe d'artistes (qui comprenait Henri Matisse et André Derain) d'environ 1905 à 1910, qui se caractérise par des paysages de cerisier brillants, des couleurs vives pures, des peintures figuratives et audacieuses coup de pinceau distinctif. Lorsqu'il est montré à 1905 dans une exposition à Paris, le contraste avec l'art traditionnel était si frappant qu'il a conduit le critique Louis Vauxcelles à décrire les artistes comme "Les Fauves" ou "bêtes sauvages", et c'est ainsi que le nom est né.
10. Futurisme - C'était un mouvement artistique italien du début du XXe siècle, qui visait à capturer le dynamisme et l'énergie du monde de l'art moderne. Les futuristes connaissaient bien les derniers développements de la science et de la philosophie et étaient particulièrement fascinés par l'aviation et la cinématographie. Les artistes futuristes ont dénoncé le passé, car ils estimaient que le poids des cultures passées était extrêmement oppressant, en particulier en Italie. Les futuristes proposent plutôt un art qui célèbre la modernité, son industrie et sa technologie.
11. Expressionnisme - Il a commencé en Allemagne au début des années 1900. Cela a essayé de transmettre l'émotion et le sens plutôt que la réalité. Chaque artiste avait sa propre façon "d'exprimer" ses émotions dans son art. L'artiste ne dépeint pas la réalité objective mais plutôt les émotions et les réponses subjectives que les objets et les événements suscitent chez une personne. L'artiste a atteint cet objectif par la distorsion, l'exagération, le primitivisme et la fantaisie. En même temps, les couleurs sont souvent vives et choquantes.
12. Constructivisme - Il est né en Russie à partir de 1913 par Vladimar Tatlin qui a rejeté l'idée de l'art pour l'art en faveur de l'art à des fins sociales. Il a fortement influencé les designers graphiques et industriels. En cela, le rôle de l'artiste a été repensé pour être un ingénieur brandissant des outils, au lieu d'un peintre tenant un pinceau. L'œuvre d'art est devenue une partie d'un programme visuel plus vaste destiné à éveiller les masses et à les conduire vers une prise de conscience des divisions de classe, des inégalités sociales et de la révolution. Les constructivistes croyaient que l'art n'avait pas sa place dans l'espace hermétique de l'atelier de l'artiste. Ils pensaient plutôt que l'art devait refléter le monde industriel et qu'il devait être utilisé comme un outil dans la révolution communiste. Il était populaire en Union soviétique et en Allemagne.
13. Dadaïsme - C'est un mouvement artistique dans l'art moderne qui a commencé autour de la Seconde Guerre mondiale. Cela a commencé à Zurich en réaction négative aux horreurs et aux suites de la guerre. Son but était de ridiculiser le supposé non-sens du monde moderne. Il a culminé de 1916 à 1922 et a influencé le surréalisme, le pop art et le punk rock. Il favorisait aller à l'encontre des actions sociales normales. Les adeptes du dadaïsme comprenaient Antonin Artaud, Max Ernst et Salvador Dali. En plus d'être anti-guerre, le dadaïsme était aussi anti-bourgeois et avait des affinités politiques avec la gauche radicale.
14. Surréalisme - Il a été fondé par le poète André Breton à Paris en 1924. Le surréalisme était un mouvement artistique et littéraire. Il a proposé que les Lumières - le mouvement intellectuel influent des XVIIe et XVIIIe siècles qui défendait la raison et l'individualisme - avaient supprimé les qualités supérieures de l'esprit irrationnel et inconscient. Son objectif était de libérer la pensée, le langage et l'expérience humaine des frontières oppressives du rationalisme. De nombreux artistes surréalistes ont utilisé le dessin ou l'écriture automatique pour libérer des idées et des images de leur inconscient, et d'autres ont cherché à représenter des mondes de rêve ou des tensions psychologiques cachées.
15. L'art contemporain - C'est l'art d'aujourd'hui, produit dans la seconde moitié du XXe siècle ou au XXIe siècle par des artistes qui vivent à notre époque. Il offre des occasions de réfléchir sur la société et les enjeux qui sont importants pour nous et pour le monde. Les artistes contemporains travaillent dans un monde influencé par le monde, culturellement diversifié et technologiquement avancé. Leur art est une combinaison dynamique de matériaux, de méthodes, de concepts et de sujets qui défie les frontières. Elle se caractérise par l'absence d'un principe organisateur uniforme, d'une idéologie ; et est un dialogue culturel qui concerne des cadres contextuels plus larges tels que l'identité personnelle et culturelle, la famille, la communauté et la nationalité.
L'art moderne contre l'art contemporain
16. Pop art - C'est un mouvement d'art moderne qui s'est développé dans les années 1950 et 1960. Il a été créé par le sculpteur et artiste écossais Eduardo Paolozzi à Londres en 1952. Andy Warhol, Robert Indiana et Roy Lichtenstein sont des exemples d'artistes pop. Il utilise des articles commerciaux et des icônes culturelles telles que des étiquettes de produits, des publicités, des boissons non alcoolisées, des bandes dessinées et des stars de cinéma. C'est censé être amusant. Les artistes utilisent ces objets de plusieurs façons pour créer de l'art, comme répéter l'objet encore et encore, changer la couleur ou la texture de l'objet et assembler différents objets pour créer une image.
