Un movimento artistico è uno stile nell'arte. È un periodo di tempo in cui l'arte popolare condivide stili simili.
In questa lezione impareremo a conoscere 16 principali stili artistici che hanno influenzato il mondo dell'arte nel corso degli anni.
Alcuni periodi di tempo si sono sovrapposti quando il mondo dell'arte si è abituato a nuovi stili. Potrebbe avere una filosofia comune, seguita da un gruppo di artisti. Può essere un'etichetta data da un critico per descrivere un tipo di opera d'arte. Alcuni movimenti artistici possono essere ricondotti a un tempo ea un luogo, oa particolari artisti. Una spiegazione verbale dei movimenti può provenire dagli artisti stessi, a volte sotto forma di una dichiarazione pubblicata, oppure il movimento è etichettato in seguito da qualche storico o critico d'arte.
Ecco alcuni dei principali movimenti artistici:
1. Classicismo - Si riferisce all'imitazione dell'arte dell'antichità classica (c.1000 aC - 450 dC), in particolare l'imitazione dell'arte greca, dell'arte romana, dell'arte egea e dell'arte etrusca. Ad esempio, qualsiasi dipinto, architettura o scultura prodotta durante il Medioevo o successivamente, ispirata all'arte dell'antica Grecia o dell'antica Roma.
2. Neoclassicismo - Si riferisce a movimenti artistici che traggono ispirazione dall'arte e dalla cultura "classiche" dell'antica Grecia e di Roma. Esempi di neoclassicismo in architettura sono Neue Wache a Berlino (Germania) e la Casa Bianca a Washington DC (Stati Uniti).
Tradizionalmente, il classicismo riguarda l'arte realizzata in tempi antichi (o antichità) o l'arte successiva ispirata a quella dell'antichità. Ma il neoclassicismo riguarda sempre l'arte realizzata in seguito ma ispirata dall'antichità. Quindi, Classicismo e Neoclassicismo sono spesso usati insieme. Spesso significa nitidezza, armonia ed eleganza, frutto di un'attenta attenzione alle forme tradizionali.
David, Jacques-Louis: Ritratto di Madame Récamier
Ritratto di Madame Récamier , olio su tela di Jacques-Louis David, 1800; al Louvre, Parigi.
Giraudon/risorsa artistica, New York
3. Impressionismo - È uno stile pittorico nato in Francia alla fine del XIX secolo. I pittori impressionisti sono noti soprattutto per il loro lavoro con la pittura ad olio su tela. La pittura impressionista mostra soggetti realistici dipinti in uno stile ampio e rapido con colori vivaci e pennellate facilmente visibili. Il termine "impressionismo" deriva da un dipinto di Claude Monet che ha esposto in una mostra dal titolo Impression, soleil levant (Impressione, alba). Un critico d'arte di nome Louis Leroy ha visto la mostra e ha scritto una recensione in cui ha detto che tutti i dipinti erano solo "impressioni". La parola è rimasta.
4. Post-impressionismo - È un termine usato per descrivere lo sviluppo dell'arte francese dopo Manet (pittore, 1832-1883). Roger Fry fu il primo a usare il termine nel 1910 quando organizzò una mostra Manet ei post-impressionisti. I post-impressionisti erano artisti della fine del XIX secolo che videro il lavoro dei pittori impressionisti francesi e ne furono influenzati. I loro stili artistici sono nati dallo stile chiamato impressionismo. Questi artisti svilupparono l'impressionismo ma ne respinsero i limiti. Hanno continuato a utilizzare l'argomento della vita reale, con colori vivaci e vernice densa. Vivevano in Francia e si conoscevano, ma non lavoravano come gruppo come gli impressionisti. Hanno dipinto in modi diversi l'uno dall'altro. I post-impressionisti hanno aperto la strada ad altri artisti per sperimentare e sviluppare tutti i diversi stili dell'arte moderna nel XX secolo.
5. Art Nouveau - È un movimento e uno stile artistico internazionale basato su forme organiche. Divenne popolare all'inizio del XIX secolo e continuò fino alla prima guerra mondiale. È diventato fiorì in tutta Europa e negli Stati Uniti. Ha motivi floreali e di ispirazione vegetale e forme curvilinee stilizzate e fluide. L'Art Noveau è un approccio al design che rende l'arte parte della vita quotidiana. Il termine Art Nouveau è stato coniato, in Belgio dal periodico L'Art Moderne per descrivere il lavoro del gruppo di artisti Les Vingt ea Parigi da S. Bing, che ha chiamato la sua galleria L'Art Nouveau.
Aubrey Beardsley, "La ricompensa del ballerino (Salome)", 1894.
6. Arte moderna - Non va confusa con l'arte contemporanea. L'etichetta di arte moderna si riferisce all'arte della fine del XIX e della prima metà del XX secolo. Le opere prodotte durante questo periodo mostrano l'interesse degli artisti nel reimmaginare, reinterpretare e persino rifiutare i valori estetici tradizionali degli stili precedenti.
7. Arte astratta - È un'arte moderna che non rappresenta cose reali. Ha colori, linee e forme (forma) per creare immagini che esprimono sentimenti. Ha cominciato a farsi notare nel 1900, soprattutto a New York. L'arte è solitamente di grandi dimensioni. Ha linee e figure ovunque, quindi l'occhio non si concentra su un punto particolare del pezzo, come nell'arte tradizionale.
8. Cubismo - Il cubismo era un nuovo approccio rivoluzionario alla rappresentazione della realtà inventato intorno al 1907-08 dagli artisti Pablo Picasso e Georges Braque. Hanno riunito diverse visioni di soggetti (di solito oggetti o figure) nella stessa immagine, dando vita a dipinti che appaiono frammentati e astratti. Il cubismo è stato uno degli stili più influenti del XX secolo. È generalmente accettato che sia iniziato intorno al 1907 con il celebre dipinto di Picasso Demoiselles D'Avignon. Suddividendo oggetti e figure in aree o piani distinti, gli artisti miravano a mostrare diversi punti di vista contemporaneamente e all'interno dello stesso spazio, suggerendo così la loro forma 3D.
9. Fauvismo - È il nome applicato al lavoro prodotto da un gruppo di artisti (che comprendeva Henri Matisse e Andre Derain) dal 1905 al 1910 circa, caratterizzato da luminosi paesaggi di ciliegie, colori puri e vividi, dipinti di figure e audaci pennellata distintiva. Quando fu mostrato nel 1905 in una mostra a Parigi, il contrasto con l'arte tradizionale fu così sorprendente che portò il critico Louis Vauxcelles a descrivere gli artisti come "Les Fauves" o "bestie feroci", e così nacque il nome.
10. Futurismo - Era un movimento artistico italiano all'inizio del XX secolo, che mirava a catturare il dinamismo e l'energia del mondo dell'arte moderna. I futuristi erano esperti negli ultimi sviluppi della scienza e della filosofia e particolarmente affascinati dall'aviazione e dalla cinematografia. Gli artisti futuristi denunciavano il passato, poiché sentivano che il peso delle culture del passato era estremamente opprimente, in particolare in Italia. I futuristi invece proponevano un'arte che celebrasse la modernità e la sua industria e tecnologia.
11. Espressionismo - È iniziato in Germania durante la prima parte del 1900. Questo ha cercato di trasmettere emozioni e significato piuttosto che realtà. Ogni artista aveva il proprio modo unico di "esprimere" le proprie emozioni nella propria arte. L'artista non raffigura la realtà oggettiva ma piuttosto le emozioni e le risposte soggettive che gli oggetti e gli eventi suscitano all'interno di una persona. L'artista ha raggiunto questo obiettivo attraverso la distorsione, l'esagerazione, il primitivismo e la fantasia. Allo stesso tempo, i colori sono spesso vividi e scioccanti.
12. Costruttivismo - Nasce in Russia a partire dal 1913 da Vladimar Tatlin che rifiuta l'idea dell'arte per l'arte a favore dell'arte per scopi sociali. Ha fortemente influenzato i designer grafici e industriali. In questo, il ruolo dell'artista è stato reinventato per essere un ingegnere che brandisce strumenti, invece di un pittore che tiene in mano un pennello. L'opera d'arte è diventata parte di un programma visivo più ampio inteso a risvegliare le masse e guidarle verso la consapevolezza delle divisioni di classe, delle disuguaglianze sociali e della rivoluzione. I costruttivisti credevano che l'arte non avesse posto nello spazio ermetico dello studio dell'artista. Piuttosto, pensavano che l'arte dovesse riflettere il mondo industriale e che dovesse essere usata come strumento nella rivoluzione comunista. Era popolare nell'Unione Sovietica e in Germania.
13. Dadaismo - È un movimento artistico nell'arte moderna iniziato intorno alla seconda guerra mondiale. È iniziato a Zurigo in reazione negativa agli orrori e al seguito della guerra. Il suo scopo era quello di ridicolizzare la presunta mancanza di significato del mondo moderno. Ha raggiunto il picco dal 1916 al 1922 e ha influenzato il surrealismo, la pop art e il punk rock. Favoriva l'andare contro le normali azioni sociali. I seguaci del dadaismo includevano Antonin Artaud, Max Ernst e Salvador Dalì. Oltre ad essere contro la guerra, il dadaismo era anche antiborghese e aveva affinità politiche con la sinistra radicale.
14. Surrealismo - Fu fondato dal poeta Andre Breton a Parigi nel 1924. Il Surrealismo era un movimento artistico e letterario. Ha proposto che l'Illuminismo - l'influente movimento intellettuale del XVII e XVIII secolo che sosteneva la ragione e l'individualismo - avesse soppresso le qualità superiori della mente irrazionale e inconscia. Il suo obiettivo era liberare il pensiero, il linguaggio e l'esperienza umana dai confini oppressivi del razionalismo. Molti artisti surrealisti hanno utilizzato il disegno o la scrittura automatica per sbloccare idee e immagini dalle loro menti inconsce, e altri hanno cercato di rappresentare mondi onirici o tensioni psicologiche nascoste.
15. Arte contemporanea - È l'arte di oggi, prodotta nella seconda metà del XX secolo o nel XXI secolo da artisti che vivono nel nostro tempo. Offre opportunità per riflettere sulla società e sulle questioni che sono importanti per noi e per il mondo. Gli artisti contemporanei lavorano in un mondo influenzato a livello globale, culturalmente diversificato e tecnologicamente avanzato. La loro arte è una combinazione dinamica di materiali, metodi, concetti e soggetti che sfida i confini. È caratterizzato dalla mancanza di un principio organizzativo uniforme, di un'ideologia; ed è un dialogo culturale che riguarda quadri contestuali più ampi come l'identità personale e culturale, la famiglia, la comunità e la nazionalità.
Arte moderna contro arte contemporanea
16. Pop art - È un movimento artistico moderno sviluppatosi negli anni '50 e '60. È stato creato dallo scultore e artista scozzese Eduardo Paolozzi a Londra, nel 1952. Andy Warhol, Robert Indiana e Roy Lichtenstein sono esempi di artisti pop. Utilizza articoli commerciali e icone culturali come etichette di prodotti, pubblicità, bibite, fumetti e star del cinema. È pensato per essere divertente. Esistono diversi modi in cui gli artisti utilizzano questi oggetti per creare opere d'arte, come ripetere l'oggetto più e più volte, cambiare il colore o la trama dell'oggetto e mettere insieme oggetti diversi per creare un'immagine.
