Ruch artystyczny to styl w sztuce. Jest to okres, w którym sztuka popularna ma podobne style.
Podczas tej lekcji poznamy 16 głównych stylów sztuki , które wpłynęły na świat sztuki na przestrzeni lat.
Niektóre okresy nałożyły się na siebie, gdy świat sztuki przyzwyczaił się do nowych stylów. Może mieć wspólną filozofię, za którą podąża grupa artystów. Może to być etykieta nadana przez krytyka w celu opisania rodzaju dzieła sztuki. Niektóre ruchy artystyczne można przypisać do czasu i miejsca lub do konkretnych artystów. Werbalne wyjaśnienie ruchów może pochodzić od samych artystów, czasem w formie opublikowanego oświadczenia, lub ruch jest później oznaczany przez jakiegoś historyka sztuki lub krytyka.
Oto kilka głównych ruchów artystycznych:
1. Klasycyzm — odnosi się do naśladowania sztuki klasycznej starożytności (ok. 1000 pne - 450 n.e.), zwłaszcza naśladowania sztuki greckiej, rzymskiej, egejskiej i etruskiej. Na przykład każdy obraz, architektura lub rzeźba powstałe w średniowieczu lub później, które były inspirowane sztuką starożytnej Grecji lub starożytnego Rzymu.
2. Neoklasycyzm – odnosi się do ruchów w sztuce czerpiących inspirację z „klasycznej” sztuki i kultury starożytnej Grecji i Rzymu. Przykładami neoklasycyzmu w architekturze są Neue Wache w Berlinie (Niemcy) i Biały Dom w Waszyngtonie (Stany Zjednoczone).
Tradycyjnie klasycyzm dotyczy sztuki wykonanej w starożytności (lub starożytności) lub późniejszej sztuki inspirowanej starożytnością. Ale neoklasycyzm zawsze dotyczy sztuki powstałej później, ale inspirowanej starożytnością. Tak więc klasycyzm i neoklasycyzm są często używane razem. Często oznacza przejrzystość, harmonię i elegancję, uzyskaną dzięki starannej dbałości o tradycyjne formy.
David, Jacques-Louis: Portret Madame Récamier
Portret Madame Récamier , olej na płótnie, Jacques-Louis David, 1800; w paryskim Luwrze.
Giraudon/Art Resource, Nowy Jork
3. Impresjonizm - Jest to styl malarstwa, który narodził się we Francji pod koniec XIX wieku. Malarze impresjoniści znani są głównie z malarstwa olejnego na płótnie. Malarstwo impresjonistyczne przedstawia realistyczne przedmioty malowane szerokim, szybkim stylem z jasnymi kolorami i dobrze widocznymi pociągnięciami pędzla. Termin „impresjonizm” pochodzi od obrazu Claude'a Moneta, który pokazał na wystawie pod tytułem Impression, soleil levant (Impresja, wschód słońca). Krytyk sztuki Louis Leroy obejrzał wystawę i napisał recenzję, w której stwierdził, że wszystkie obrazy to tylko „impresje”. Słowo zostało.
4. Postimpresjonizm - Jest to termin używany do opisania rozwoju sztuki francuskiej po Manecie (malarz, 1832-1883). Roger Fry jako pierwszy użył tego terminu w 1910 roku, kiedy zorganizował wystawę Manet i postimpresjoniści. Postimpresjoniści byli artystami końca XIX wieku, którzy widzieli prace francuskich malarzy impresjonistów i byli pod ich wpływem. Ich style artystyczne wyrosły ze stylu zwanego impresjonizmem. Artyści ci rozwinęli impresjonizm, ale odrzucili jego ograniczenia. Nadal używali prawdziwych tematów, z żywymi kolorami i grubą farbą. Mieszkali we Francji i znali się, ale nie pracowali jako grupa jak impresjoniści. Malowali na różne sposoby. Postimpresjoniści utorowali drogę innym artystom do eksperymentowania i rozwijania różnych stylów sztuki współczesnej w XX wieku.
5. Art Nouveau - Jest to międzynarodowy ruch artystyczny i styl oparty na formach organicznych. Stał się popularny na przełomie XIX i XX wieku i trwał do I wojny światowej. Rozkwitł w całej Europie i Stanach Zjednoczonych. Ma motywy kwiatowe i inspirowane roślinami oraz stylizowane, płynne krzywoliniowe formy. Art Noveau to podejście do projektowania, które czyni sztukę częścią codziennego życia. Termin Art Nouveau został ukuty w Belgii przez czasopismo L'Art Moderne na określenie twórczości grupy artystycznej Les Vingt, aw Paryżu przez S. Binga, który nazwał swoją galerię L'Art Nouveau.
Aubrey Beardsley, „Nagroda tancerza (Salome)”, 1894.
6. Sztuka nowoczesna – nie należy jej mylić ze sztuką współczesną. Etykieta sztuki nowoczesnej odnosi się do sztuki końca XIX wieku i początku do połowy XX wieku. Prace powstałe w tym czasie pokazują zainteresowanie artystów ponownym wyobrażeniem sobie, reinterpretacją, a nawet odrzuceniem tradycyjnych wartości estetycznych poprzednich stylów.
7. Sztuka abstrakcyjna - Jest to sztuka nowoczesna, która nie przedstawia prawdziwych rzeczy. Ma kolor, linie i kształty (formę), aby tworzyć obrazy wyrażające uczucia. Zaczęto to zauważać w XX wieku, zwłaszcza w Nowym Jorku. Sztuka jest zwykle duża. Wszędzie ma linie i figury, więc oko nie skupia się na jednym konkretnym punkcie dzieła, jak w sztuce tradycyjnej.
8. Kubizm – Kubizm był rewolucyjnym nowym podejściem do przedstawiania rzeczywistości, wymyślonym około 1907-08 przez artystów Pabla Picassa i Georgesa Braque'a. Łączyli różne widoki przedmiotów (zwykle przedmiotów lub postaci) na tym samym obrazie, w wyniku czego obrazy wydają się fragmentaryczne i abstrakcyjne. Kubizm był jednym z najbardziej wpływowych stylów XX wieku. Powszechnie uważa się, że zaczęło się około 1907 roku od słynnego obrazu Picassa Demoiselles d'Avignon. Rozbijając obiekty i postacie na odrębne obszary lub płaszczyzny, artyści chcieli pokazać różne punkty widzenia w tym samym czasie i w tej samej przestrzeni, a tym samym zasugerować ich trójwymiarową formę.
9. Fowizm – tak nazywa się prace wykonane przez grupę artystów (w tym Henri Matisse i Andre Derain) od około 1905 do 1910 roku, charakteryzujące się jasnymi wiśniowymi pejzażami, czystymi żywymi kolorami, malowidłami figuralnymi i odważnymi charakterystyczny pędzelek. Pokazany w 1905 roku na wystawie w Paryżu kontrast z tradycyjną sztuką był tak uderzający, że krytyk Louis Vauxcelles opisał artystów jako „Les Fauves” lub „dzikie bestie” i tak narodziła się nazwa.
10. Futuryzm – był to włoski ruch artystyczny na początku XX wieku, którego celem było uchwycenie dynamizmu i energii współczesnego świata sztuki. Futuryści byli dobrze zorientowani w najnowszych osiągnięciach nauki i filozofii, a szczególnie zafascynowani lotnictwem i kinematografią. Artyści futurystyczni potępiali przeszłość, ponieważ uważali, że ciężar minionych kultur jest niezwykle przytłaczający, szczególnie we Włoszech. Zamiast tego futuryści zaproponowali sztukę, która celebrowała nowoczesność, jej przemysł i technologię.
11. Ekspresjonizm – zaczął się w Niemczech na początku XX wieku. To próbowało przekazać emocje i znaczenie, a nie rzeczywistość. Każdy artysta miał swój niepowtarzalny sposób „wyrażania” swoich emocji w swojej sztuce. Artysta nie przedstawia obiektywnej rzeczywistości, ale raczej subiektywne emocje i reakcje, jakie przedmioty i wydarzenia budzą w człowieku. Artysta osiągnął ten cel poprzez zniekształcenie, przesadę, prymitywizm i fantazję. Jednocześnie kolory są często żywe i szokujące.
12. Konstruktywizm - zapoczątkował go w Rosji od 1913 roku Władimir Tatlin, który odrzucił ideę sztuki dla sztuki na rzecz sztuki dla celów społecznych. Wywarł silny wpływ na grafików i projektantów przemysłowych. W tym przypadku rola artysty została ponownie wyobrażona jako inżynier dzierżący narzędzia, zamiast malarza trzymającego pędzel. Dzieło sztuki stało się częścią większego programu wizualnego, mającego obudzić masy i doprowadzić je do świadomości podziałów klasowych, nierówności społecznych i rewolucji. Konstruktywiści uważali, że w hermetycznej przestrzeni pracowni artysty nie ma miejsca na sztukę. Myśleli raczej, że sztuka powinna odzwierciedlać świat przemysłowy i że powinna być używana jako narzędzie w komunistycznej rewolucji. Był popularny w Związku Radzieckim i Niemczech.
13. Dadaizm - Jest to ruch artystyczny w sztuce współczesnej, który rozpoczął się około II wojny światowej. Zaczęło się w Zurychu od negatywnej reakcji na okropności i następstwa wojny. Jego celem było ośmieszenie rzekomej bezsensowności współczesnego świata. Szczyt osiągnął w latach 1916-1922 i wywarł wpływ na surrealizm, pop-art i punk rock. Sprzyjała sprzeciwianiu się normalnym działaniom społecznym. Do wyznawców dadaizmu należeli Antonin Artaud, Max Ernst i Salvador Dali. Oprócz tego, że był antywojenny, dadaizm był także antymieszczański i miał polityczne pokrewieństwo z radykalną lewicą.
14. Surrealizm – został założony przez poetę Andre Bretona w Paryżu w 1924 roku. Surrealizm był ruchem artystycznym i literackim. Sugerował, że Oświecenie – wpływowy ruch intelektualny XVII i XVIII wieku, który bronił rozumu i indywidualizmu – stłumiło nadrzędne cechy irracjonalnego, nieświadomego umysłu. Jej celem było wyzwolenie myśli, języka i ludzkiego doświadczenia z opresyjnych granic racjonalizmu. Wielu surrealistycznych artystów używało automatycznego rysowania lub pisania, aby uwolnić pomysły i obrazy z ich nieświadomych umysłów, a inni starali się przedstawiać światy snów lub ukryte napięcia psychologiczne.
15. Sztuka współczesna - Jest to sztuka współczesna, tworzona w drugiej połowie XX wieku lub w XXI wieku przez artystów żyjących w naszych czasach. Daje okazję do refleksji nad społeczeństwem i sprawami ważnymi dla nas i świata. Współcześni artyści pracują w globalnie wpływającym, zróżnicowanym kulturowo i zaawansowanym technologicznie świecie. Ich sztuka to dynamiczna kombinacja materiałów, metod, koncepcji i tematów, która rzuca wyzwanie granicom. Charakteryzuje się brakiem jednolitej, organizującej zasady, ideologii; i jest dialogiem kulturowym, który dotyczy szerszych ram kontekstowych, takich jak tożsamość osobista i kulturowa, rodzina, społeczność i narodowość.
Sztuka nowoczesna kontra sztuka współczesna
16. Pop-art – to nowoczesny ruch w sztuce, który rozwinął się w latach 50. i 60. XX wieku. Został stworzony przez szkockiego rzeźbiarza i artystę Eduardo Paolozziego w Londynie w 1952 roku. Przykładami artystów popowych są Andy Warhol, Robert Indiana i Roy Lichtenstein. Wykorzystuje przedmioty komercyjne i ikony kulturowe, takie jak etykiety produktów, reklamy, napoje bezalkoholowe, komiksy i gwiazdy filmowe. To ma być zabawa. Istnieje wiele sposobów, w jakie artyści wykorzystują te przedmioty do tworzenia dzieł sztuki, na przykład powtarzanie przedmiotu w kółko, zmiana koloru lub tekstury przedmiotu oraz łączenie różnych przedmiotów w celu wykonania obrazu.
