Um movimento artístico é um estilo na arte. É um período em que a arte popular compartilha estilos semelhantes.
Nesta lição, aprenderemos sobre os 16 principais estilos de arte que impactaram o mundo da arte ao longo dos anos.
Alguns períodos de tempo se sobrepuseram à medida que o mundo da arte se acostumou a novos estilos. Pode ter uma filosofia comum, seguida por um grupo de artistas. Pode ser um rótulo dado por um crítico para descrever um tipo de obra de arte. Alguns movimentos artísticos podem ser fixados a um tempo e lugar, ou a artistas específicos. Uma explicação verbal dos movimentos pode vir dos próprios artistas, às vezes na forma de uma declaração publicada, ou o movimento é rotulado posteriormente por algum historiador ou crítico de arte.
Aqui estão alguns dos principais movimentos artísticos:
1. Classicismo - Refere-se à imitação da arte da antiguidade clássica (c.1000BCE - 450CE), notadamente a imitação da arte grega, arte romana, arte do mar Egeu e arte etrusca. Por exemplo, qualquer pintura, arquitetura ou escultura produzida durante a Idade Média ou posterior, que foi inspirada na arte da Grécia Antiga ou da Roma Antiga.
2. Neoclassicismo - Refere-se a movimentos nas artes que se inspiram na arte e cultura "clássica" da Grécia e Roma antigas. Exemplos de neoclassicismo na arquitetura são Neue Wache em Berlim (Alemanha) e a Casa Branca em Washington DC (Estados Unidos).
Tradicionalmente, o classicismo é sobre a arte feita nos tempos antigos (ou antiguidade) ou arte posterior inspirada na antiguidade. Mas o neoclassicismo é sempre sobre a arte feita mais tarde, mas inspirada na antiguidade. Assim, Classicismo e Neoclassicismo são frequentemente usados juntos. Muitas vezes significa clareza, harmonia e elegância, feita por uma atenção cuidadosa às formas tradicionais.
David, Jacques-Louis: Retrato de Madame Récamier
Retrato de Madame Récamier , óleo sobre tela de Jacques-Louis David, 1800; no Louvre, Paris.
Giraudon/Art Resource, Nova York
3. Impressionismo - É um estilo de pintura que começou na França no final do século XIX. Os pintores impressionistas são conhecidos principalmente por seu trabalho em pintura a óleo sobre tela. A pintura impressionista mostra temas realistas pintados em um estilo amplo e rápido, com cores brilhantes e pinceladas facilmente visíveis. O termo "impressionismo" vem de uma pintura de Claude Monet que ele mostrou em uma exposição com o nome Impression, soleil levant (Impressão, nascer do sol). Um crítico de arte chamado Louis Leroy viu a exposição e escreveu uma crítica na qual dizia que todas as pinturas eram apenas "impressões". A palavra ficou.
4. Pós-impressionismo - É um termo usado para descrever o desenvolvimento da arte francesa após Manet (pintor, 1832-1883). Roger Fry foi o primeiro a usar o termo em 1910, quando organizou a exposição Manet and the Post-Impressionists. Os pós-impressionistas eram artistas do final do século 19 que viram o trabalho dos pintores impressionistas franceses e foram influenciados por eles. Seus estilos de arte surgiram do estilo chamado Impressionismo. Esses artistas desenvolveram o impressionismo, mas rejeitaram suas limitações. Eles continuaram usando o assunto da vida real, com cores vivas e tinta espessa. Eles moravam na França e se conheciam, mas não funcionavam como um grupo como os impressionistas. Eles pintaram de maneiras diferentes umas das outras. Os pós-impressionistas abriram caminho para que outros artistas experimentassem e desenvolvessem todos os diferentes estilos de arte moderna no século XX.
5. Art Nouveau - É um movimento internacional de arte e estilo baseado em formas orgânicas. Tornou-se popular na virada do século 19 e continuou até a Primeira Guerra Mundial. Tornou-se floresceu em toda a Europa e os Estados Unidos. Tem motivos florais e inspirados em plantas e formas curvilíneas estilizadas e fluidas. Art Noveau é uma abordagem ao design que torna a arte parte da vida cotidiana. O termo Art Nouveau foi cunhado na Bélgica pelo periódico L'Art Moderne para descrever o trabalho do grupo de artistas Les Vingt e em Paris por S. Bing, que nomeou sua galeria L'Art Nouveau.
Aubrey Beardsley, “A recompensa do dançarino (Salomé)”, 1894.
6. Arte Moderna - Não deve ser confundida com arte contemporânea. O rótulo de arte moderna refere-se à arte do final do século XIX e início a meados do século XX. As obras produzidas durante esse período mostram o interesse dos artistas em reimaginar, reinterpretar e até mesmo rejeitar os valores estéticos tradicionais de estilos anteriores.
7. Arte Abstrata - É uma arte moderna que não representa coisas reais. Tem cor, linhas e formas (forma) para fazer imagens que expressam sentimentos. Começou a ser notado em 1900, especialmente em Nova York. A arte é geralmente grande em tamanho. Tem linhas e figuras em todos os lugares, então o olho não se concentra em um ponto específico da peça, como na arte tradicional.
8. Cubismo - O cubismo foi uma nova abordagem revolucionária para representar a realidade inventada por volta de 1907-08 pelos artistas Pablo Picasso e Georges Braque. Eles trouxeram diferentes visões de assuntos (geralmente objetos ou figuras) juntos na mesma imagem, resultando em pinturas que parecem fragmentadas e abstratas. O cubismo foi um dos estilos mais influentes do século XX. É geralmente aceito que começou por volta de 1907 com a célebre pintura de Picasso Demoiselles D'Avignon. Ao dividir objetos e figuras em áreas ou planos distintos, os artistas pretendiam mostrar diferentes pontos de vista ao mesmo tempo e dentro do mesmo espaço e, assim, sugerir sua forma 3D.
9. Fauvismo - É o nome aplicado ao trabalho produzido por um grupo de artistas (que incluía Henri Matisse e Andre Derain) por volta de 1905 a 1910, que se caracteriza por paisagens de cerejas brilhantes, cores vivas puras, pinturas de figuras e negrito pinceladas diferenciadas. Quando exibido em 1905 em uma exposição em Paris, o contraste com a arte tradicional foi tão marcante que levou o crítico Louis Vauxcelles a descrever os artistas como "Les Fauves" ou "animais selvagens", e assim nasceu o nome.
10. Futurismo - Foi um movimento artístico italiano no início do século 20, que visava capturar o dinamismo e a energia do mundo da arte moderna. Os futuristas eram bem versados nos últimos desenvolvimentos em ciência e filosofia e particularmente fascinados com aviação e cinematografia. Artistas futuristas denunciaram o passado, pois achavam que o peso das culturas passadas era extremamente opressivo, principalmente na Itália. Os futuristas propuseram uma arte que celebrava a modernidade e sua indústria e tecnologia.
11. Expressionismo - Começou na Alemanha durante o início dos anos 1900. Isso tentou transmitir emoção e significado em vez de realidade. Cada artista tinha sua própria maneira única de "expressar" suas emoções em sua arte. O artista retrata não a realidade objetiva, mas sim as emoções e respostas subjetivas que objetos e eventos despertam dentro de uma pessoa. O artista cumpriu esse objetivo por meio de distorção, exagero, primitivismo e fantasia. Ao mesmo tempo, as cores são muitas vezes vivas e chocantes.
12. Construtivismo - Originou-se na Rússia a partir de 1913 por Vladimar Tatlin que rejeitou a ideia de arte pela arte em favor da arte para fins sociais. Influenciou fortemente os designers gráficos e industriais. Neste, o papel do artista foi reimaginado para ser um engenheiro empunhando ferramentas, em vez de um pintor segurando um pincel. A obra de arte tornou-se parte de um programa visual maior destinado a despertar as massas e levá-las à consciência das divisões de classe, desigualdades sociais e revolução. Os construtivistas acreditavam que a arte não tinha lugar no espaço hermético do ateliê do artista. Em vez disso, eles pensavam que a arte deveria refletir o mundo industrial e que deveria ser usada como ferramenta na revolução comunista. Era popular na União Soviética e na Alemanha.
13. Dadaísmo - É um movimento artístico na arte moderna que começou por volta da Segunda Guerra Mundial. Começou em Zurique em reação negativa aos horrores e à sequência da guerra. Seu objetivo era ridicularizar a suposta falta de sentido do mundo moderno. Ele atingiu o pico de 1916-1922 e influenciou o surrealismo, a arte pop e o punk rock. Favorecia ir contra as ações sociais normais. Seguidores do dadaísmo incluíam Antonin Artaud, Max Ernst e Salvador Dali. Além de antiguerra, o dadaísmo também era antiburguês e tinha afinidades políticas com a esquerda radical.
14. Surrealismo - Foi fundado pelo poeta André Breton em Paris em 1924. O surrealismo foi um movimento artístico e literário. Propunha que o Iluminismo - o influente movimento intelectual dos séculos XVII e XVIII que defendia a razão e o individualismo - havia suprimido as qualidades superiores da mente irracional e inconsciente. Seu objetivo era libertar o pensamento, a linguagem e a experiência humana das fronteiras opressivas do racionalismo. Muitos artistas surrealistas usavam o desenho ou a escrita automática para desbloquear ideias e imagens de suas mentes inconscientes, e outros procuravam retratar mundos de sonhos ou tensões psicológicas ocultas.
15. Arte contemporânea - É a arte de hoje, produzida na segunda metade do século XX ou no século XXI por artistas que vivem em nosso tempo. Oferece oportunidades para refletir sobre a sociedade e as questões que são importantes para nós e para o mundo. Artistas contemporâneos trabalham em um mundo globalmente influenciado, culturalmente diversificado e tecnologicamente avançado. Sua arte é uma combinação dinâmica de materiais, métodos, conceitos e assuntos que desafiam os limites. Caracteriza-se pela falta de um princípio organizador uniforme, ideologia; e é um diálogo cultural que diz respeito a estruturas contextuais mais amplas, como identidade pessoal e cultural, família, comunidade e nacionalidade.
Arte moderna versus arte contemporânea
16. Pop art - É um movimento de arte moderna que se desenvolveu nas décadas de 1950 e 60. Foi criado pelo escultor e artista escocês Eduardo Paolozzi em Londres, 1952. Andy Warhol, Robert Indiana e Roy Lichtenstein são exemplos de artistas pop. Utiliza itens comerciais e ícones culturais como rótulos de produtos, propagandas, refrigerantes, histórias em quadrinhos e estrelas de cinema. É para ser divertido. Existem várias maneiras de os artistas usarem esses itens para criar arte, como repetir o item várias vezes, alterar a cor ou a textura do item e juntar itens diferentes para criar uma imagem.
